miércoles, 31 de diciembre de 2008


Ni el pormenor simbólico
de reemplazar un tres por un dos
ni esa metáfora baldía
que convoca un lapso que muere y otro que surge
ni el cumplimiento de un proceso astronómico
aturden y socavan
la altiplanicie de esta noche
y nos obligan a esperar
las doce irreparables campanadas.
La causa verdadera
es la sospecha general y borrosa
del enigma del Tiempo
;
es el asombro ante el milagro
de que a despecho de infinitos azares
de que a despecho de que somos
las gotas del río de Heráclito
,
perdure algo en nosotros:
inmóvil.
Jorge Luis Borges

jueves, 11 de diciembre de 2008

nos vemos el sábado?


El sábado a las 19 toco un concierto en el Museo Isaac Fernández Blanco (Suipacha 1422, Buenos Aires). Es un concierto compartido con Evar Cativiela, quien tocará música para vihela; yo voy a tocar obras para flauta sola.

Es un repertorio más que interesante, y poco frecuentado. El concierto es gratis.... imposible no ir, o sí?

Aquí la lista de obras que voy a tocar:

Anónimo
GHAETTA
(de un manuscrito italiano de fin del siglo XIII o principios del XIV)

Jacob van Eyck
PSALM 134
(publicado en “Der fluyten lust-hof” 1644)

Jacob van Eyck
COMAGAIN
(variaciones sobre una canción de Dowland, de “Der fluyten lust-hof”)

Jacob van Eyck
ONSE VADER IN HEMELRYCK
(variaciones sobre el Padre Nuestro, de “Der fluyten lust-hof”)

Hildegard von Bingen
COLUMBA ASPEXIT
(Poema n° 62, secuencia para la fiesta de San Maximino)

Aurelio Virgiliano
SECONDA RICERCATA PER FLAUTO, ET ALTRI INSTRUMENTI
(“Il dolcimelo”, Ca. 1600)

Anónimo
STELLA SPLENDENS
(del “Llibre Vermell de Montserrat”)
Luego tocará mi amigo Evar Cativiela, un programa de música española: Narvaez, Milán, Fuenllana y Mudarra.

jueves, 4 de diciembre de 2008

Música antigua en tus noches de verano

Desde abril de 2003 produzco y conduzco el programa "MÚSICA OSCURA", por Radio Cultura Musical, los lunes de 22 a 23 (hora de Buenos Aires). En ese programa difundo obras del Medioevo al Barroco, intentando una audición guiada desde la historia y la sociología de la música y desde la estética contemporánea. Se puede escuchar en Buenos Aires a través de la FM 100.3, o por internet en el sitio http://www.culturamusical.com.ar/
Año a año, durante enero y febrero me tomo vacaciones, por lo que repito una selección de programas. Se me ocurrió este año proponerles a ustedes, que son quienes seguramente escuchan, que me ayuden a elegir qué programas repetir. Posteo a continuación la lista completa de programas de marzo a noviembre, para que elijan.
Los más votados a través de comentarios a esta entrada, o vía e mail a ramiroalbino@hotmail.com, serán repetidos a partir del lunes 5 de enero.

MÚSICA OSCURA
PROGRAMAS 2008

LUNES 3 DE MARZO 2008 – Músicas festivas (fragmentos de los CDs “Fiesta Criolla” & “In festa”)

LUNES 10 DE MARZO 2008– Un panorama de la música antigua austríaca

LUNES 17 DE MARZO 2008 – Morales: Missa pro defunctis (1544)

LUNES 24 DE MARZO 2008 – Conciertos para flauta dulce de Vivaldi - Charpentier: "Il faut rire et chanter"


LUNES 31 DE MARZO 2008 – "Il viaggio musicale", Parte 1 y música de Antonio de Cabezón

LUNES 7 DE ABRIL 2008 – "Il viaggio musicale", Parte 2 y música del Renacimiento en Nápoles


LUNES 28 DE ABRIL 2008 – Bach: Jesu meine Freude y Telemann Obertura-concierto para flauta

LUNES 5 DE MAYO 2008 – Bach motetes “Singet dem Herrn…” y “Lobet den Herrn…”, y dos conciertos para flauta dulce de Telemann

LUNES 12 DE MAYO 2008 – PROGRAMA MISCELÁNEA (una cantiga de Santa María por Thomas Binkley, tres arias de “Acis y Galatea” de Handel y el madrigal “Hor che el ciel” de Monteverdi).

LUNES 19 DE MAYO DE 2008 – Handel: Las antífonas de coronación (completas) y un aria del oratorio “Il trionfo del tempo e il dissenganno”

LUNES 26 DE MAYO DE 2008 – Vivaldi: Beatus vir a dos coros y dos orquestas y fragmentos de la colección “Harmonia caelestis”

LUNES 2 DE JUNIO DE 2008 – Schutz “Historia de la resurrección” y Gabrieli “Sonata Pian e Forte”

LUNES 9 DE JUNIO DE 2008 – Por problemas personales se repitió un programa

LUNES 16 DE JUNIO DE 2008 – Madrigales de Monteverdi (Tempro la cetra, tres del Tercer libro, balleto De la belleza le dovute lodi)

LUNES 23 DE JUNIO DE 2008 – SONATAS BARROCAS (Corelli arreg. Para flauta, Castello sonata II, Schmelzer “la victoria sobre los turcos”)

LUNES 14 DE JULIO DE 2008 – Concierto para cello de Boccherini, Stabat de Vivaldi y dos arreglos de corales de Bach por Yo yo Ma

LUNES 21 DE JULIO DE 2008 – Antonio de Salazar: Vísperas de Nuestra Señora

LUNES 28 DE JULIO DE 2008 – Salomone Rossi “Noi siam’ tre donzellette semplicete” / Giovanni Gabrieli, música para metales

LUNES 4 DE AGOSTO DE 2008 – Antonio Lotti: Requiem

LUNES 11 DE AGOSTO DE 2008 – Canto de la Sibila (versión Mallorca) y dos cantos carnavalescos florentinos

LUNES 18 DE AGOSTO DE 2008 – Motetes de Morago y Melgás, y música medieval jacobea, parte 1

LUNES 25 DE AGOSTO DE 2008 – Motetes de Morago y Melgás, y música medieval jacobea, parte 2

LUNES 1 DE SEPTIEMBRE DE 2008 – Telemann (Concierto para flauta, viola da gamba y cuerdas), Marais (Sonate a la maresienne) y Monteclair (Cantate: Morte de Didon)

LUNES 8 DE SEPTIEMBRE DE 2008 – Mielczewski: Missa supra "O gloriosa Domina", chansons passeggiate con corneto, "Su la cetra amorosa" (Merula)


LUNES 15 DE SEPTIEMBRE DE 2008 – Missa a 6 y villancicos de Tomás de Torrejón y Velasco - Sonatas para cornetto y continuo, de Merula y Fontana - Corelli: Follía

22 DE SEPTIEMBRE DE 2008 - Por problemas personales se repitió un programa

29 DE SEPTIEMBRE DE 2008 - Repetición 17 de marzo 2008

LUNES 6 DE OCTUBRE DE 2008 – Rebel: los elementos, Praetorius (danzas de Terpsichore) y “El paso del mar Rojo” (canción de Sefarad)

LUNES 13 DE OCTUBRE DE 2008 – Destouches “los elementos” – Música en España en la época del Descumbrim de América

LUNES 20 DE OCTUBRE DE 2008 – Corelli (sonatas opus 5 con flauta) y Bach (Sei gegruesset… y Wachet auf!)

LUNES 27 DE OCTUBRE DE 2008 – Zipoli: Beatus Vir & In hoc mundo – Vivaldi: Concerti: Verano e “Il proteo”

LUNES 3 DE NOVIEMBRE DE 2008 – Schutz, “Exequias musicales” & Gabrieli “Miserere”

LUNES 10 DE NOVIEMBRE DE 2008 – Ignacio de Jerusalem y Stella “Missa a 8” / Cabezón: Tientos y glosas

sábado, 29 de noviembre de 2008

foto para escuchar


En septiembre fui invitado a Montevideo a participar de una grabación con el Ensamble De Profundis (dirigido por Cristina García Banegas). Hicimos un CD de música del siglo XVII, de México y Guatemala, y entre las obras grabadas está el motete AVE, SANCTISSIMA MARIA, de autor anónimo guatemalteco. El disco ya fue presentado, el fin de semana pasado en Montevideo.

Haciendo click en la clave de sol pueden escucharlo (es mínimo!, apenas 2 minutos). Una pieza sumamente sencilla, pero muy profunda, van a ver qué interesante.

En la foto: Caroline Rilliet (soprano), Federico Ciancio (arpa), Evar Cativiela (vihuela de mano) y yo (flauta bajo). Esta fue la versión del concierto, en la grabación lo hicimos sin vihuela.
Video thumbnail. Click to play
Click To Play

lunes, 24 de noviembre de 2008

Los italianos a la italiana

Mañana, martes, voy a volver a hablar en Ventana a la Música Antigua de las versiones de música barroca italiana hechas por italianos. La semana pasada, buscando material para otros espacios y programas, encontré una crítica de discos en la web, en una página española. Les transcribo a continuación un fragmento de una de esas críticas, que coincide con mi pensamiento, sintetizándole y dándole la gracia literaria que hasta ahora no supe encontrar para decir esto.
Quien la escribe es el Sr. Mariano Acero Ruilópez. Quise buscar su e mail para felicitarlo, pero no lo encontré. Quizás alguien sepa cómo contactarlo... y quién dice que algún día se lea él mismo citado en este blog...
EL DESCUBRIMIENTO ITALIANO DE LA MÚSICA ITALIANA
El movimiento de Interpretación Históricamente Documentada, como el espía de la ficción literario-fílmica, vino del frío. Y de las brumas. No, ciertamente, de las tierras de nieves e inviernos quasi-perpetuos, pero sí de latitudes más bien norteñas en que el sol tarda en perder el halo de timidez adolescente -de adolescente de antaño- y en que los vapores neblinosos se adueñan con frecuencia del día difuminando los contornos y desdibujando las formas. No es de extrañar que por ámbitos meridionales muchas de aquellas interpretaciones pioneras y aun de la segunda generación, especialmente las referidas a compositores mediterráneos, aunque técnicamente irreprochables, dejaran cierto poso de insatisfacción, como si estuvieran recubiertas de una finísima, pero perceptible capa de musgo, de esa pátina verdinosa de los monumentos enclavados en ambientes húmedos.
Pero entonces el Mediterráneo -de Italia hablamos, porque en España era otro el cantar- estaba dominado por grupos convencionales que, tras haber protagonizado una meritoria página en la recuperación de la música barroca, dormían con placidez en laureles inexorablemente marchitos. Las individualidades disconformes e inquietas emigraron allende los Alpes a beber las frescas aguas de la renovación. Hasta que -no podía ser de otra forma-, alcanzada la madurez, terminaron por emanciparse de foráneas tutelas y regresaron al Sur pletóricos de ideas, creando sus propias formaciones y protagonizando una nueva revolución en el seno de la revolución historicista.
El milagro se produjo: la música antigua, preñada ahora de luz, calor y pasión, sonó más nueva que nunca. Il Giardino Armónico, la orquesta que, reuniendo a experimentados intérpretes de primera línea, fundaran en Milán allá por 1985 Luca Pianca y Giovanni Antonini, fue una de las agrupaciones que más decididamente marcó el rumbo. Con energía inaudita, con una sonoridad peculiar e irrepetible, deslumbró a todos desde su primera aparición discográfica. Y Vivaldi abandonó para siempre las brumas nórdicas para renacer moldeado en relieve, nítidamente silueteado contra el cielo veneciano, ebrio de luminosidad y claroscuros mediterráneos. Cada nuevo disco fue saludado con entusiasmo por crítica y público, se sucedieron premios y reconocimientos y no se pudo prescindir ya de Il Giardino en salas de conciertos y festivales especializados.
Pero Vivaldi fue sólo el principio. Sin abandonar los siglos XVII y XVIII, los límites cronológicos de su repertorio, otros compositores, italianos o no -Albinoni, Biber, Locke, J.S. Bach (conciertos de Brandenburgo)- recibieron su vivificadora lectura. Y, ampliando su ámbito de acción, siempre en colaboración con los más destacados solistas, irrumpieron poco después en la música vocal, fundamentalmente en versión de concierto o semiescenificada, realizando exitosas grabaciones (del DVD dedicado a Vivaldi con Cecilia Bartoli se han vendido más de 700.000 copias) y aplaudidas interpretaciones de oratorios y óperas de Conti, Pergolesi, Hasse, A. Scarlatti, Haendel...
Mariano Acero Ruilópez

jueves, 20 de noviembre de 2008

Presentación de CD en Montevideo


Viajo hoy a Montevideo a tocar un concierto con el coro De Profundis, el domingo próximo. Presentamos un CD de música portuguesa-mexicana del siglo XVII, un repertorio interesantísimo. Pasen el dato a posibles interesados!. A continuación la gacetilla, tal como la recibí de la organización del concierto:



Bajo auspicios de la Embajada de Portugal, Instituto Camoes de Portugal y Embajada de México, el ensemble vocal e instrumental DE PROFUNDIS dirigido por Cristina García Banegas estará presentando su flamante CD dedicado al compositor portugués GASPAR FERNANDES (Evora, Portugal 1566 - Puebla de los Angeles, México, 1629).



presentación del CD
Gaspar Fernandes: Códice de Oaxaca
Villancicos del Nuevo Mundo


DOMINGO 23 DE NOVIEMBRE A LAS 18
IGLESIA EVANGELICA ALEMANA DE MONTEVIDEO
(Blanes esquina Durazno)
entrada libre
Antes de la presentación del CD habrá una conferencia del musicólogo Dr. Aurelio Tello (Perú/México) quien realizara la transcripción y edición de tan vastísimo compendio musical de la Catedral de Oaxaca, México.

martes, 18 de noviembre de 2008

videoclips de música antigua

La idea-industria del videoclip ha llegado también a la música antigua (que nuevamente demuestra ser mucho más contemporánea de lo que a veces creemos). Un ejemplo cabal de esta idea es este corto clip de Magdalena Kozena sobre un aria de la cantata BWV 30 de Bach.

Es un poco ingenuo (Thriller también lo fue, hace 25 años), pero vale la pena tenerlo en cuenta, al menos para saber lo que se hace en este momento en Europa, para conocer a la talentosa y bellísima soprano, o para disfrutar de esta aria sin recurrir al típico video del ensamble tocando.

sábado, 15 de noviembre de 2008

tristeza...

Buscando algunas cosas por la web me encontré, casi de casualidad, con la triste noticia de que la Revista Goldberg ha dejado de salir.
Era una revista excelente, con una hermosísima calidad visual y, por lo general, magníficos artículos. Para quienes vivimos en Argentina, significaba una atractiva ventana para asomarnos a la casi inalcanzable realidad musical europea, a las novedades de discos, a los nuevos intérpretes, etc.
Les copio a continuación la carta que mandó Goldberg a sus suscriptores.
La crisis se hace ver en todos lados. Espero que no nos fagocite las ganas de seguir haciendo cosas....
Aquí va:
Estimado amigo y suscriptor:
Resulta para todos nosotros muy triste tener que comunicaros la suspensión temporal de la edición de la revista Goldberg, motivada por las dificultades económicas que venimos atravesando en los últimos meses y que se han agravado considerablemente por la crisis económica general que estamos viviendo, que ha repercutido de forma especial en un incremento de los impagados que nos impide seguir haciendo frente a nuestros compromisos.
Han sido diez años de trabajo apasionantes pero difíciles, en los que hemos recibido de nuestros suscriptores todo el apoyo y la confianza. Nos hemos sentido orgullosos de los ánimos y felicitaciones que constantemente nos habéis hecho llegar y creemos que hemos conseguido, durante este tiempo, ser un referente en el campo de la música antigua.
Pero la revista se ve en la imperiosa necesidad de suspender temporalmente su actividad aun a sabiendas de que nuestros suscriptores ven defraudadas sus expectativas.
Esperamos poder recuperar la actividad de la revista en cuanto las circunstancias económicas nos lo permitan.Confiamos en que entiendan esta difícil situación.
Muchas gracias por su comprensión.
Un afectuoso saludo,Goldberg Ediciones SL

viernes, 14 de noviembre de 2008

chan!

Un breve posteo para avisarles que el Festival Barroco de Colonia del Sacramento SE SUSPENDIÓ (??!!!), a una semana de su realización.

Bueno, los organizadores tendrán sus razones. De otro modo no se explica una cuestión tan extraña y casi vergonzoza.

En tal evento yo participaría del concierto de cierre, con el coro De Profundis, dirigido por Cristina García Banegas, presentando un disco con polifonía de Gaspar Fernández (Portugal-México, siglo XVII). El concierto se hará, en Montevideo, el mismo día que estaba pautado (domingo 23 de noviembre). Los tendré al tanto de novedades.

martes, 11 de noviembre de 2008

recuerdos de Salta y Jujuy





Hace un par de semanas estuvimos con la Capilla del Sol haciendo una pequeña gira por Salta y Jujuy, para el Mozarteum Argentino. Posteo algunas fotos de ese gratísimo viaje de conciertos.
El programa fue "EL AÑO LITÚRGICO EN LAS MISIONES JESUÍTICAS DE BOLIVIA", un programa que recorría las músicas de las grandes fiestas de todo el año, según lo que se tocaba y cantaba en las misiones bolivianas, intercaladas con textos de la época que contextualizaban cada obra. Quedamos muy contentos con el resultado y con el armado del programa. Esperamos poder hacerlo el año que viene en Buenos Aires!

Los integrantes de la Capilla, para este viaje, fueron:
SILVINA SADOLY, soprano
ADRIANA SANSONE, soprano
VERÓNICA CANAVES, alto
PABLO TRAVAGLINO, tenor

RAMIRO ALBINO, flauta dulce
ALICIA MORÁN, violín
VIRGINIA LLANSA, violín
MARÍA JESÚS OLÓNDRIZ, cello
EVAR CATIVIELA, vihuela
FEDERICO CIANCIO, órgano
EDUARDO RODRIGUEZ, bajón
.........................
Dirección Musical: Ramiro Albino
Coordinación: Leila Makarius y Jorge Cometti

miércoles, 5 de noviembre de 2008

mucha música antigua en las próximas semanas


Actualizo el blog después de mucho tiempo, y les anuncio unos cuantos festivales de música antigua que tendrán lugar en las próximas semanas en Mendoza, Buenos Aires y Colonia del Sacramento. A continuación los links de los sitios web de cada festival, para que puedan echar una mirada, y posiblemente agendar a qué conciertos van a ir.



Festival de Música Antigua de Mendoza, quinta edición. Conciertos y curso sobre música vocal del clasicismo. Toda la información en el blog de Gabriela Guembe:




Festival de música barroca en Colonia del Sacramento, Uruguay. 21 al 23 de noviembre. Cursos, talleres, conciertos y masterclasses (yo toco en el último!, con el coro De Profundis, dirigido por Cristina García Banegas). Información completa en:




Festival de música para laúd, en Buenos Aires, los martes 11, 18 y 25 de noviembre a las 20 en la Manzana de las Luces. Más info en:




Finalmente les aviso que el domingo se hace la Misa en Si menor, de Bach. Es un concierto, importante, se hace por primera vez con una orquesta argentina de instrumentos originales. Dirige Andrés Gerszenzon. Esto será el domingo 9 a las 19, en el Teatro Coliseo.

Atención malpensados: no tengo NADA que ver con la organización, ni ganancias, ni rédito de ningún tipo en estos festivales (sólo cobraré mi cachet por tocar en el concierto del 23 de nov en Colonia)

martes, 14 de octubre de 2008

flautas... biodegradables (???)



Como flautista no puedo dejar de lado esta noticia, que recibí hoy vía e mail. Los coreanos están orgullosos de haber inventado una flauta "biodegradable", para educar a los niños en el cuidado del medio ambiente.

Construyen entonces estas flautas de maíz procesado (?!), que tienen enormes ventajas, como por ejemplo que al quemarse no despiden olor (jajajaja!!!!!, a alguien se le quemó alguna vez la flauta?), y además son biodegradables. Me gustaría recordarle a estos señores que las flautas de madera TAMBIÉN son biodegradables.

Qué pavadas inventa la gente que no tiene nada que hacer!

viernes, 10 de octubre de 2008

Música antigua en Córdoba


En pocos días comienza la séptima edición del festival "Camino de las estancias", un recorrido histórico musical a través de una interesante ruta patrimonial de la prov. de Córdoba. Muchos amigos tocan o dirigen en este festival, les posteo a continuación la data completa, quizás puedan ir (no se van a arrepentir!, la programación está buena y los lugares son magníficos).

VIE 17
Iglesia de la Compañía de Jesús – 21:30 hs.
Programa: "Miserere" de Jan Dismas Zelenka
"Missa Brevis", en Sol Mayor BWV 236 de Johann Sebastián Bach
Solistas: Silvina Sadoly (soprano), Damián Ramírez (alto), Rodrigo del Pozo (tenor/Chile) y Hernán Iturralde (bajo)
Coro: Coro de Cámara de la Provincia – Dir: Gustavo Maldino
Orquesta: La Barroca del Suquía – Dir. Manfredo Kraemer
Dir. General Manfredo Kraemer

SAB 18
Colegio Nacional de Monserrat – 21:30 hs.
Programa: El Cuatro: 4 cuerdas y sus caminos
Intérprete: Enio Escauriza (Venezuela)

DOM 19
Estancia Jesuítica de La Candelaria – 13:00 hs.
Programa: Los caminos de Tomás Torrejón y Velasco (1644-1728)
Obras de Cuzco (Perú), Sucre (Bolivia) y de la Catedral de Guatemala
Intérpretes: La rosa púrpura del Plata (Buenos Aires)
Dir: Gabriel Schebor (guitarra barroca y vihuela)

JUE 23
Museo de Arte Religioso San Alberto – 21:30 hs.
Programa: Trii & Quadri da Camera
Georg Phiplipp Telemann (1681-1767)
Intérpretes: Les Goûts-Réünis: Rodrigo Calveyra (flauta dulce/Brasil), Diego Nadra (oboe barroco/Holanda-Argentina), Manfredo Kraemer (violín barroco), Juan Manuel Quintana (viola da gamba), Jorge Lavista (clavecín).

VIE 24
Museo Marqués de Sobremonte – 21:30 hs.
Programa: Henry Purcell: El compositor de la Capilla Real
Intérpretes: Violetta Club (Mendoza)
Dir: Gabriela Guembe (viola da gamba bajo)

SAB 25
Estancia Jesuítica de Colonia Caroya – 21:30 hs.
Programa: Con le Stelle in Ciel
Biagio Marini y sus contemporáneos: Arie, stile recitativo e compositioni varie per musica di camera, en la Italia del siglo XVII
Intérpretes: Florencia Bernales (soprano), Hernán Cuadrado (viola da gamba), Jorge Lavista (clavecín), Hernán Vives (archilaúd).

DOM 26
Estancia Jesuítica Santa Catalina – 13:00 hs.
Programa: Arias de Händel para Francesca Cuzzoni
Georg Friedrich Händel (1685-1759)
Intérpretes: Orquesta Barroca del Rosario (Rosario) –Soledad de la Rosa (soprano)
Dir. General: Federico Ciancio

JUE 30
Capilla de Santa Ana – 21:30 hs.
Intérpretes: Ensamble Buenos Aires Galante
Programa: Obras de Carl Philipp Emanuel Bach (1714-1788), Johann Gottlieb Janitsch (1708-1763), Giovanni BenedettoPlatti (1697-1763), Johann Christian Bach (1735-1782) Dir: Joëlle Perdaens

VIE 31
Museo Nacional Casa del Virrey Liniers – 21:30 hs.
Programa: Háganles Lugar
Compositores criollos, mestizos y mulatos en la América colonial
Intérpretes: Vox Antiqua
Dir. General: Lic. Leonardo Waisman

SAB 1
Capilla de Candonga – 20:30 hs.
Programa: Musical Humors
Antología del repertorio para viola da gamba sola de Inglaterra,
Francia y Alemania entre 1600 y 1750
Intérpretes: Juan Manuel Quintana (viola da gamba)

DOM 2
Museo Nacional y Estancia Jesuítica de Jesús María
Charla preliminar – 18:00 hs.
Esnaola, Fundador Frustrado. Expone: Bernardo Illari (Musicólogo.
Universidad de North Texas)
Concierto 19:00 hs.
Programa: La Vida y la Muerte en el Buenos Aires Romántico
Bicentenario del nacimiento de Juan Pedro Esnaola
Coro Cantoría de la Merced – Dir: Santiago Ruiz
Orquesta La Barroca del Suquía
Dir. General: Manfredo Kraemer

jueves, 25 de septiembre de 2008

Savall, otra nota

Buenos Aires recibió esta semana a una de las visitas más esperadas del año, el violagambista y director Jordi Savall, que ofreció dos conciertos.

Hace más o menos tres semanas le hice una entrevista para la revista Cantabile, que está publicada en el último número. Como posiblemente muchos no puedan acceder a la revista, posteo a continuación la entrevista.


El recuperador de paraísos
Entrevista a Jordi Savall

Hacer música de otros siglos, con instrumentos originales o sus copias, intentando reconstruír su modo de tocarlos es intentar acercar al público a universos sonoros que de otro modo no existirían, pero también es abrir un orificio en el inmenso muro temporal que nos separa del pasado, para que podamos, al menos, experimentar un poco, y por nuestros propios medios, lo que ocurría en aquellas épocas. Disfrutamos, entonces, de esos paraísos perdidos, que para nosotros se han vuelto utopías.

Jordi Savall es, sin duda, un referente de la reconstrucción sonora de los estilos preclásicos. Su actividad febril e incansable ha sido fundamental para la difusión de esas músicas. Quizás, porque sin darse cuenta, él y sus grupos encarnan una nueva manera de ser utopianos (“en Utopía no hay nunca permiso para estar ocioso”, escribió Tomás Moro a principios del siglo XVI)

En diálogo con Cantabile, anticipando su visita, Savall se muestra atento a toda pregunta, siempre locuaz y lúcido, instantáneo en sus respuestas seguras y concisas. Es evidente que ya se preguntó todo antes de encarar cada trabajo, para que la claridad de sus ideas esté plasmada en sus conciertos y grabaciones, que dejan ver con claridad el concepto que hay detrás de cada nota, y de la elección de sus músicos y repertorio.

Comenzamos dialogando sobre el concepto de música antigua como “conjetura informada”, idea del musicólogo Josef Kerman citada en los comentarios de uno de sus últimos discos, “La ruta de Oriente” (donde se plantea una reconstrucción sonora de los viajes del jesuita Francisco Xavier, en el siglo XVI). Savall nos dice que “… en el momento en que uno hace una música que evoca la presencia de Xavier en Goa, evidentemente en este momento no tenemos ninguna traza de su pasaje por ahí. Hoy se escucha allí música más moderna. Lo que hacemos nosotros es, simplemente, tomar un villancico portugués contemporáneo a Francisco Xavier, e interpretarlo acompañado de un sarod y unas tablas, para sugerir cómo podría sonar esto en aquel momento. Como si alguien de la cultura india hubiera intentado aprender cantar este villancico acompañándose con sus instrumentos. Yo creo que lo que es importante en esos trabajos es rescatar la autenticidad de la emoción del momento y del gesto histórico que hacemos, la aproximación a un contexto, en este caso, no es ni invención ni conjetura, sino que es un acto creativo. Basado en lo que nosotros podemos acercarnos, con máxima pureza, al contexto”.

Desde sus vivencias personales explica su método de hipótesis de reconstrucción de un repertorio que en realidad no existe. Es notable cuán encarnada tiene en sí a la música antigua, a la que se dedica exclusivamente hace algunas décadas, refiriéndose a esta como “su” música:

“El producto no es nunca un documento que sea histórico en el sentido del viaje en el tiempo. Lo que hacemos es entender, que si alguna cosa pasó, fue esto, que un músico con sensibilidad escuchaba la música y sobre eso improvisaba, que es lo que nos pasó a nosotros también cuando trabajamos, para ese repertorio, con músicos orientales. Vinieron los japoneses y cuando escuchaban un canto gregoriano que les cantábamos, se estableció un diálogo muy bello, les salió espontáneamente la improvisación sobre nuestra música, y creo que esto es bonito, este diálogo verdaderamente intercultural, es es también un diálogo de sugestión.

Tras esto, la pregunta casi obvia fue acerca de la idea de sugestión en la mezcla de culturas del repertorio del Barroco americano.

El repertorio de los villancicos, la música es como la de aquí en la misma época (se refiere a España), pero yo creo que vosotros tenéis en eso un material por investigar en relación con el folklore realmente amerindiano, que es muy importante. Y esto es un tema que está aún por desarrollarse de forma plena. Yo creo que esto es un tema extremadamente interesante, porque la creación del testimonio amerindiano, del mundo latinohispano, es un repertorio que resulta de muchas mezclas, de un mestizaje entre la cultura que viene de España, los aportes indianos y los aportes también del mundo africano, porque llegaron también con los barcos muchos esclavos africanos que también cantaban y que influenciaron, sin duda, la música.

Para los latinoamericanos, acostumbrados a buscar casi siempre las contextualizaciones mirando hacia Europa, nos resulta extraño entender cómo un grupo europeo tiene que contextualizar mirando para este lado. El trabajo de Savall respecto a esto es de larga data y lenta decantación:

“cuando formamos Hesperion, en el primer grupo de Hesperion había dos argentinos: Gabriel Garrido y Lorenzo Alpert, que eran parte del grupo en los años ‘75, ‘76, desde los primeros años que estuve haciendo música había un contacto con músicos que conocían el folklore sudamericano, que tocaban instrumentos, que dominaban ese repertorio. Después en los múltiples viajes que hice en los años ‘70, cuando viajé a Colombia, México, Venezuela, Chile, siempre estuvimos en contacto con personas que conocían la música tradicional, y a través de sus observaciones conocimos el estilo. Nosotros no hemos intentado que los villancicos sean folklóricos, pero buscamos de poner en evidencia las raíces auténticas de estas músicas. Entonces cuando hay una negrilla o una guaracha, escuchamos guarachas mexicanas de la época, del repertorio del son, para darnos cuenta del espíritu de esta música” [...] “Quiero decir además esta frase de Lope de Vega o de Miguel de Cervantes, que decía “la chacona, esta indiana amulatada que nos viene de las Yndias” (cita de “La ilustre fregona”, de Cervantes), esto ya es una declaración de sus orígenes mestizos y prácticamente de un diálogo cultural sabroso. Una chacona, que es una danza, siempre se dijo, eminentemente europea, nos aparece como danza mestiza, resultado de la mezcla entre una mulata, un indiano y las influencias hispánicas”.

La idea de buscar raíces para el folklore latinoamericano en el villancico barroco es muy discutida. Evidentemente, Savall no está al tanto de buena parte de las discusiones que eso genera entre musicólogos latinoamericanos y músicos supuestamente especializados en el barroco que se dio en este lado del mundo. El tema es inmenso, y trasciende absolutamente este espacio y sus intenciones, y está analizado y estudiado más de lo que muchos creen. Lo interesante de la aproximación que hace Savall al repertorio latinoamericano está en la instrumentación y las posibilidades que le ofrece su situación artístico-económica, mostrando la solución que necesitarían muchos grupos latinoamericanos dedicados a ese repertorio. Hay dos grandes problemas que enfrentan quienes, desde América Latina, intentan volver a armar el ethos del artista barroco de las colonias españolas. El primero es la falta de profesionalismo de ciertos intérpretes; y el segundo y más constante, es la pobreza de recursos económicos para reconstruír un patrimonio musical que se desarrolló en ciudades ricas, donde no se escatimaba en gastos para contratar la cantidad que hiciera falta de cantantes o instrumentistas en la búsqueda del brillo que se consideraba necesario para engalanar una fiesta, o simplemente para hacer ostentación. Hesperion XXI, desde su bien ganado prestigio, tiene la posibilidad de contratar intérpretes de excelencia, y de conseguir el sponsoreo que necesite para cualquier proyecto que se proponga.

Finalmente, ante la inmensa proliferación de conciertos convertidos en shows, quisimos conocer la opinión que tiene uno de los músicos más activos del panorama internacional sobre este tema.

“Creo que estamos en una época donde, si no puedes sorprender, la gente se queda quizás un poco asustada. Esto yo creo que pasa solamente cuando lo que propones musicalmente no tiene la intensidad o el nivel suficiente. Yo creo que nosotros estamos haciendo muchísimos conciertos, ninguno escenificado, y funciona todo muy bien”.

“Hay músicas hechas para la escena, para bailar, para hacer teatro, y otras músicas que son para escuchar. Yo creo que, personalmente, nunca se me ocurrirá hacer cosas como la que se piensa hacer en París el año que viene: una escenificación de las Vísperas de Monteverdi. Yo no lo aceptaría, porque yo sé que Monteverdi nunca tuvo la idea de hacer una ópera con esa música. Yo creo que esto es aprovecharse de un material musical para hacer una cosa diferente, que va en contra de lo que es el contenido y el contexto musical. Son cuestiones de gusto y cada uno puede escoger”.

Sin embargo, en la producción de Savall, hay cosas que sí cambian, y se transforman evidentemente. Sus discos se han vuelto libros, brindándonos una mayor y mejor información literaria y visual sobre los repertorios.

“Para nosotros el disco es un proyecto cultural, es un proyecto con el que ganamos poco, porque lo vendemos casi al costo. Esto da una medida de lo que es Alia Vox (el sello del cual es propietario), que no es una empresa comercial, no creamos Alia Vox para enriquecernos, sino para poder hacer proyectos tal como los pensamos, sin ninguna limitación. Entonces eso es para nosotros una forma de mostrar que el disco hecho con un contenido histórico-filosófico nunca va a desaparecer, porque esto tú no lo puedes bajar de internet, no lo puedes piratear.

Sólo nos resta esperar los conciertos, que llegarán con la primavera, sentarnos en el Coliseo y durante un par de horas escuchar sobre el Paraíso. Después de todo, Savall es tan ibérico como Hytlodeo y tan buen narrador de utopías como Tomás Moro.

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Paraísos perdidos y paraísos recuperados

Hay quienese critican las versiones de Jordi Savall, argumentando que son demasiado fantasiosas (él se enorgullece de ciertas fantasías, defendiendo siempre la idea de acto creativo), o planteando que a veces está más presente su huella que la del compositor.

Sin embargo nadie puede negar lo que Savall ha hecho con todos nosotros, llevándonos a los innumerables paraísos que su creatividad musical ha reconstruído durante más de tres décadas de trabajo continuo.

Con 160 discos grabados (además de los “pecados de juventud”, a los que prefiere no contabilizar), Savall es uno de los músicos más prolíficos e inteligentes de nuestro tiempo. Dice lo que quiere y lo dice como quiere, es intérprete, director y empresario discográfico, habiendo manejado su carrera de modo brillante, acercando al público a lugares musicales a los que jamás se imaginó que llegaría.

En esta visita nos plantea dos programas de concierto dirigiendo a Hesperion XXI. El primero (22 de septiembre) está dedicado a la música que se cultivó en la América hispana, durante el barroco, ofreciendo una selección de villancicos, cantos y bailes que acompañaron a las constantes fiestas que engalanaron a aquellas ciudades ricas no sólo en minerales o recursos, sino también en expresiones artísticas. El segundo (23 de septiembre) está, orientado al repertorio que antecedió al descubrimiento de América, el de la España del Renacimiento, en la que convivieron moros, cristianos y judíos dando origen a un mestizaje originalísimo del que salieron ideas que nutrieron a toda Europa, en plena ebullición del humanismo.

martes, 16 de septiembre de 2008

Entrevista a Jordi Savall


La semana que viene nos visitará nuevamene Jordi Savall. Lo entrevisté y publiqué mi entrevista el domingo pasado en diario Perfil. Ya que salió bastante cortada, y aprovechando este espacio, la posteo completa a continuación:

Música, utopías y paraísos

Septiembre traerá nuevamente a Jordi Savall a Buenos Aires. Será la vuelta de una de las visitas internacionales más esperadas de la temporada, como parte del ciclo de Mozarteum Argentino. Esta vez nos visita con dos programas temáticos: “La Ruta del Nuevo Mundo” (la mezcla de culturas que se dio en el repertorio del Barroco americano) y “Los Paraísos Perdidos” (músicas árabes, cristianas y judías de la España previa al descubrimiento), conciertos que tendrán lugar el 22 y 23 de septiembre próximos.

Es llamativa la cantidad de conciertos, de giras y de programas que interpreta Savall año a año, además de su vasta producción de discos. Risueño y orgulloso, en una charla con Perfil, se refiere a esto diciéndonos que “En este tiempo estoy viajando muchísimo, y esto es una anti-rutina. En mis próximos conciertos hago primero un programa de música de Oriente y Occidente, con un músico griego, un marroquí y un español (yo tocaré instrumentos medievales). Al día siguiente tengo un recital de músicas inglesas, y el día después tocaré con Montserrat Figueras y Andrew Lawrence King, un programa barroco de músicas españolas y francesas. Y siguiendo, en breve, voy a Londres. Tengo un recital de música francesa y española con Rolf Lislevand, después voy a Oslo, después a Praga, pero siempre son proyectos diferentes. Yo no acostumbro a poner un programa y repetirlo, esto no va conmigo, no lo acepto nunca. En el Festival que hicimos en la abadía de Fontfroide (a principios del mes de agosto), hicimos en cinco días, seis programas completamente diferentes que fueron de músicas del norte y del sur, orientales y occidentales, hasta un programa dedicado a las músicas de Jerusalen, músicas de París y Estambul, las músicas nocturnas de Madrid con Boccherini, etc. Esto cambia cuando estamos en gira, como en el caso de mi próxima visita a Argentina, es una gira, y entonces estaremos trabajando con dos o tres programas diferentes. Vamos también a San Pablo y allí haremos el programa de Colón, y un programa de músicas del tiempo y del instante, y luego también los villancicos latinoamericanos”.

Su planteo de cambios permanentes no se debe a gustos personales, sino a una necesidad de motivación que, a su parecer, está en la novedad permanente. “Siempre hay una variedad, y esto para nosotros es fundamental. El poder ir cambiando de repertorio, hace que te resulte más estimulante, ya que no tienes la seguridad de pensar que como lo hiciste ayer no hace falta ensayar.Entonces tienes que volver a estar dentro de la música y esto también es una motivación para estar más inspirados”.

Savall, que ha formado directa o indirectamente con su estilo a muchos de quienes hoy se dedican profesionalmente a la música antigua en Europa y las Américas, no pierde contacto con las nuevas generaciones de intérpretes. Considera que hay gente joven que hace la música antigua con menos motivación o profundidad que hace treinta o cuarenta años. “Es un problema de las generaciones. Los que hemos nacido en momentos de guerra civil o post-guerra civil, en momentos mucho más duros, hemos tenido que aprender a luchar y a vivir en condiciones difíciles. Cuando vives en abundancia, pues no estás más motivado para luchar. Yo creo que sí, que hay un cierto peligro de la facilidad, y de la aceleración”. (se refiere a lo relativamente fácil que es hoy para cualquier estudiante conseguir partituras, grabaciones, o datos históricos sobre repertorios que antes eran casi desconocidos). Vivimos en un mundo demasiado acelerado. Todo tiene que pasarse de prisa y rápido. Yo cuando empecé a estudiar la viola da gamba, fue en el año 65, y mi primer disco solista importante fue en el 76. Más de diez años trabajando para producir un disco. Hoy en día cualquier estudiante que termina su carrera, si no saca un disco al año siguiente, será considerado fracasado. No dejamos tiempo a madurar las cosas. Estamos acostumbrados a tenerlo todo rápidamente (hace treinta años no era tan fácil hacer un disco). El peligro es que no experimentas el tiempo de evolución que necesita una cosa para llegar a su madurez. Por eso hay tantísimos discos que son inútiles. Porque los escuchas y luego no los escuchas nunca más.

Un disco es algo sagrado, es un documento que tiene que ser un documento excepcional para que se justifique guardarlo. El músico debe preparar con profundidad su proyecto y lograr captar en la grabación esos momentos mágicos que son también únicos, que no se reproducen mecánicamente, pero se alcanzan cuando hay algo especial".

¡Y quién tendría autoridad para alzarse contra Savall y discutirle sobre grabaciones, formación o repertorios!.
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Un gran difusor de repertorios.

Jordi Savall (Catalán, 1941), tras dedicarse al violoncello y al canto, y luego de su graduación en el Conservatorio Superior de Música de Barcelona, se trasladó a Basilea a formarse como intérprete de la viola da gamba. Recuerda a sus amigos de la época de estudiante y nos dice que “algunos de mis compañeros de Barcelona, ya están jubilados. Tocaron música de cámara, o se desempeñaron en orquestas sinfónicas, otros ya están muertos. Y de los compañeros que tuve en Basilea, pues ahí hay grandes figuras como Ton Koopman, que es uno de los grandes clavecinistas, o Hopkinson Smith, uno de los mejores laudistas, y tantos otros como Andrew Lawrence-king que continúa tocando con nosotros, etc. Y naturalmente Montserrat Figueras que estuvo conmigo en los estudios que hicimos en Basilea y continuamos trabajando juntos. Nos conocimos en Barcelona. Nos casamos en 1967 y en 1968 fuimos a Basilea a estudiar”.

En 1970 comienza a grabar y a difundir especialmente el repertorio violístico, obteniendo rápida aprobación del público y la crítica. En 1974 funda “Hesperion XXI”, en 1987 “La Capella Reial de Catalunya” y en 1989 “Le Concert des Nations”.

Su carrera se ha desarrollado en los principales escenarios del mundo, pero además nos lega un enorme caudal de discos. ¿Cuántos? Orgulloso nos contesta: “Si no cuento mis pecados de juventud debo tener unos 60 con Alia Vox, y un centenar con Astree Auvidis…., unos ciento sesenta” (¡!!) “Algunos son favoritos, como las vísperas de Monteverdi, que son discos con magia, o el Requiem de Morales, o discos como la Diáspora Sefardí con Montserrat Figueras, tanto por el recuerdo del momento de la grabación, como por el del disco en sí”.

jueves, 11 de septiembre de 2008

12 años en el aire!!!!


Hoy mi programa VENTANA A LA MÚSICA ANTIGUA cumple 12 largos y felices años en el aire (aunque en este momento no es un "programa" como tal, sino una extensa columna dentro del programa "Tarde de Clásicos", que conduce mi amiga Clara de la Rosa)

Ventana... está al aire desde el 11 de septiembre de 1996. En un principio salió a través de Radio Clásica FM 96.7, pero luego, con el cierre de esta emisora, se mudó a Nacional

En aquel momento la música preclásica casi no tenía lugar en el espacio radial de Buenos Aires, de ahí la idea de que fuera, al menos, una pequeña ventana a ese mundo. Las cosas cambiaron mucho, y ahora las radios difunden tanto a los autores del Barroco o Renacimiento como a los del Clasicismo o Romanticismo.

El espacio cuenta con mi idea, producción y conducción, está dedicado exclusivamente a los estilos preclásicos (medioevo, renacimiento y barroco)

A lo largo de estos doce años ha difundido una cuidada selección discográfica que contempla tanto los autores más conocidos como aquellos que, en nuestro medio, tenemos pocas noticias, siendo un espacio de permanente aporte a los oyentes

NO ES UN PROGRAMA DE ACTUALIDAD, sólo se hace referencia a algunos conciertos o actividades relacionadas al repertorio del programa, cuando éstos tienen especial trascendencia. Tampoco es un espacio de entrevistas, ocasionalmente ha habido visitas o reportajes telefónicos.

Brindo con todos por la continuidad del espacio, por el triunfo de las ideas sobre el pesimismo que a veces reina entre nosotros y por la felicidad del HACER. ¡¡Salud!!

domingo, 7 de septiembre de 2008

radio, música antigua, arte contemporáneo...

Posteo hoy un viejo programa de MÚSICA OSCURA. Lo hice por la relación que hubo entre un espacio barroco, un instrumento barroco y el envío que hizo la Argentina a la Bienal de Venecia. Es un programa alternativo, e interesante al mismo tiempo.

Es el primer programa que posteo en el blog. Me gustaría que me cuenten, si lo escuchan, qué les parece este tipo de posteos, qué tal la idea de escuchar o volver a escuchar programas viejos por intenet,etc.

Que lo disfruten!


programa MÚSICA OSCURA, emitido el 18 de julio de 2005, por Radio Cultura Musical (Buenos Aires, Argentina). Conducción y producción: Ramiro Albino

sábado, 6 de septiembre de 2008

los invito a escuchar mi programa del lunes

MÚSICA OSCURA
un programa de Ramiro Albino para Radio Cultura Musical
lunes a las 22 - FM 100.3 en Buenos Aires
puede escucharse on line a través de http://www.culturamusical.com.ar/

PROGRAMA DEL LUNES 8 DE SEPTIEMBRE DE 2008
MISSA SUPRA 'O GLORIOSA DOMINA' (Marcin Mielczewski)
DISMINUCIONES ITALIANAS DE CHANSONS FRANCESAS
'SU LA CETRA AMOROSA' (Tarquino Merula)

domingo, 17 de agosto de 2008

El estreno, a doscientos años



Juan Pedro Esnaola, a la edad de componer la Misa a Cuatro Voces




En 1878, tras la muerte de Juan Pedro Esnaola, se publicó en “La Gaceta Musical” su obituario, donde aparece una mención a algunas de sus obras: “En 1824 una sinfonía de largo aliento y una Misa a tres voces. En 1825 una Misa de Requien para orquesta y otra para cuatro voces. En 1826 Una misa, una sinfonía y una cavatina para gran orquesta.”

El músico murió soltero y sin descendencia tras una vida quizás demasiado diversificada en la que no se dedicó de lleno al arte musical. Sus manuscritos se descuidaron, y hubo pérdidas, aunque también es posible que desapareciera parte de su trabajo aún mientras estaba vivo. Consideremos que entre tantas actividades que tuvo, es posible que no pusiera demasiado cuidado a sus manuscritos o trabajos.

En el último cuarto del siglo pasado se resucitó el repertorio pianístico y camaristico de Esnaola, además de su misa a tres voces. Hubo grabaciones, conciertos, y comentarios en la prensa. Esnaola tuvo una breve primavera que lo dejó esporádicamente presente en conciertos (sobre todo los de algunos pianistas argentinos que se presentan en el exterior y necesitan reivindicar su origen demostrando que también hubo un Romanticismo pampeano). Del repertorio sacro se habló poco, hubo conciertos y se grabó la misa a tres voces. La misa a cuatro se consideró perdida.

Para la misma época, en 1970 el musicólogo y director Juan Florentino La Moglie encontró una partitura manuscrita en el coro de la iglesia de la Sagrada Familia, en Banfield, Provincia de Buenos Aires. Se trataba de un cuadernillo con tapas color bordó y lomo de cuero donde se leía “Album de Música”. A la primera página en blanco, que planteaba obvias incógnitas acerca de su autor, copista o propietario, seguían 197 páginas de música que contenían los números de una misa a cuatro voces con orquesta.

La Moglie, como buen musicólogo, no dejó pasar por su lado ese manuscrito sin intentar descubrir su autor y su origen. Comenzó entonces una investigación cuyo fruto artístico podrá conocerse hoy a las 16.30 en la Catedral Metropolitana.

El hallazgo de la partitura movió, en primer lugar, a una curiosidad estilística y sonora. Se estudió entonces el estilo musical de esta misa, trabajo que se hizo junto al músico argentino Norberto Broggini, especializado en música antigua y residente en Ginebra. No había duda: el papel, la encuadernación y el estilo musical corroboraban que era una composición del primer cuarto del siglo XIX, lo difícil era identificar al autor. Se estudió entonces la caligrafía del copista, y se comenzó a analizar otras fuentes porteñas de la misma época.

La evidencia de la existencia de la misa a cuatro voces de Esnaola reapareció con la lectura de una carta que le enviara Picasarri a Montevideo en 1828. Mi mui Estimado Juan Pedro, recivi la tuya y esperaba ocasion para contestarte...solo te digo, qe. te remito la misa à quatro, la de à tres, la misa de Requiem, invitatorio, las tres lecciones y responso. Ponme a la disposicion de esa familia y manda a tu tio qe. te ama de veras.

Era difícil evitar la tentación de adjudicársela. ¿Quién otro pudo haber compuesto una misa a cuatro voces con orquesta para ser cantada en Buenos Aires en aquella época?. La prueba definitiva estuvo en un estudio caligráfico, al comparar este manuscrito con otros que no presentan dudas sobre su autor. Se descubrió entonces que la obra está copiada en vida del autor por “T.S.”, el copista de Esnaola. Se cierra con esto otro capítulo que nos permite seguir adelante en la construcción de nuestras raíces nacionales.

No sabemos si esta misa fue ejecutada en el momento de su composición. El estreno para nuestro tiempo tiene lugar hoy, quizás sea el estreno mundial, una experiencia sonora que no deberíamos dejar pasar.

¿Primer compositor nacional?

Juan Pedro Esnaola puede ser considerado el primer compositor de la historia independiente de Argentina. Nació en Buenos Aires hace doscientos años y tuvo una vida intensa, plena de actividades diversas: fue pianista, profesor de música (entre sus alumnos estaba Manuelita Rosas), funcionario público (Jefe del Departamento de Escuelas, Director de la Casa de la Moneda, juez de paz, director del Banco de la Provincia de Buenos Aires) y también prestamista y dueño de conventillos que le ofrecían una renta segura.

Se formó junto a su tío, José Antonio Picasarri, que era sacerdote y director de la música de la Catedral de Buenos Aires. Ambos apoyaban a la monarquía en un período en el que no era bueno profesar esas ideas, por lo que se exiliaron en Europa durante cuatro años. Esnaola, que era un niño, aprovechó a tomar clases en el conservatorio de París, y a viajar por España, Austria e Italia. Se dice que era un prodigio de la interpretación pianísitica, pero además componía.

En 1822 regresó a Buenos Aires y fundó con su tío una Escuela de Música y Canto, aunque no desarrolló una carrera de músico profesional. Se quedó aquí hasta su muerte, en 1878

Compuso música sacra, obras sinfónicas, y como buen músico del Romanticismo, su producción incluye piezas para piano y canciones. A mediados del siglo pasado reconstruyó el Himno Nacional Argentino (la música original de Blas Parera estaba perdida), recordando lo que había escuchado en su juventud. En 1860 hace una nueva versión, que es la reconocida como oficial desde 1928.

domingo, 10 de agosto de 2008

Ciclo en el Ecléctico

Vamos a estar ahí con Mister Banister, el 21 de agosto. Hacé click en la imagen para agrandarla y ver el detalle.


jueves, 7 de agosto de 2008

fotos Capilla del Sol

Ordenando fotos en la máquina para mandar a algunos festivales encontré estas cuatro, de los conciertos que hicimos con la Capilla del Sol (grupo que dirijo), en Ecuador y Bolivia, este año. Son lugares magníficos.

Quito: Iglesia de la Compañía de Jesús

Quito: Teatro Variedades
Concepción (Bolivia), iglesia misional
San Javier (Bolivia), iglesia misional

miércoles, 6 de agosto de 2008

cómo se escucha?

Estoy probando nuevas cosas con los blogs, y una de ellas es subir audios. Eso me permitiría hacer un podcast con mis programas de radio, o con músicas de mis conciertos o los de mis amigos....
Posteo a continuación un MP3 de un concierto de hace unos años con la Capilla del Sol. Es el villancico CUATRO PLUMAGES AYROSOS, de Tomás de Torrejón y Velasco. Espero que se escuche, y les pido que, si pueden, me hagan llegar comentarios al respecto (no sobre la música, sino sobre el audio que recibieron, cómo lo recibieron, si todo anda bien, etc.). Gracias!!!!


Video thumbnail. Click to play
Click to Play

Toma en vivo del villancico CUATRO PLUMAGES AYROSOS, de Tomás de Torrejón y Velasco, por el ensamble CAPILLA DEL SOL

domingo, 3 de agosto de 2008

Brandemburgo 5 x 3

Sigo fascinado con las posibilidades de you tube para ver y comparar versiones de obras.

Posteo hoy tres versiones del primer movimiento del Brandemburgués No 5 de Bach. Una bastante vieja (cómo ha cambiado la manera de hacer música antigua en tan poco tiempo!, no se puede creer!!!!. Cuánto hay de historicista y cuánto de fantasía en estos cambios), la segunda con una estética que es la que actualmente se dice "correcta" para hacer esta música, y la tercera con la genialidad y la libertad de Jacques Loussier. Disfrútenlas!








jueves, 31 de julio de 2008

San Ignacio, los jesuitas y Paucke

Hoy, 31 de julio, es la fiesta de San Ignacio de Loyola, el fundador de los Jesuitas.

Ignacio fue un vasco que, en el siglo XVI fundó una orden religiosa que, quizás sin que él se diera cuenta, fue algo así como la encarnación del pensamiento filosófico-religioso de su momento, un grupo de gente sumamente moderno (nunca mejor aplicado el adjetivo) que cambió la cultura de occidente, desde su labor en ciudades, colegios y misiones.

Gran parte de mi tarea de estudio y de producción artística, está ligada al trabajo de los misioneros jesuitas, que ayudaron a forjar la América Latina que hoy vivimos, así es que he leído y leo mucho sobre la orden, sobre los sacerdotes jesuitas que fundaron universidades, pueblos, colegios y academias en América, especialmente los misioneros (Paucke, Havestadt, Schmid, Sepp, Cardiel....).

Justo hoy recibí un mail de Horacio Aguilar, un amigo naturalista que estudió la obra de Florian Paucke, anunciando un video que subió a You tube. Lo posteo a continuación, como pequeño homenaje a San Ignacio y sus hijos, gracias a los cuales hoy muchas cosas son como son.

domingo, 27 de julio de 2008

Del último concierto de Mister Banister...

Posteo un fragmento filmado del último concierto de Mister Banister, el viernes 25 de julio, en la Sala de Representantes de la Manzana de las Luces. Son las DIFERENZIAS SOBRE LA PAVANA ITALIANA, de Antonio de Cabezón.

El concierto fue dedicado casi por completo a la improvisación, las recercadas y las diferencias.

Disfruten de esta música magnífica!

domingo, 20 de julio de 2008

las Diferenzias de Banister


DIFERENZIAS!
Música del Renacimiento en España
(muchas recercadas de Diego Ortiz, fantasías instrumentales de Cabezón, Milán, Mudarra y autores anónimos, e improvisaciones sobre bajos).

MISTER BANISTER
RAMIRO ALBINO, flauta dulce
EVAR CATIVIELA, vihuela

Músicos invitados:
GABRIELA GUEMBE, viola da gamba
PABLO ANGILLETTA, viola da gamba
PABLO PICCINNI, flauta dulce

viernes 25 de julio a las 19.30
Sala de Representantes - Manzana de las Luces
(Perú 272, Buenos Aires)
Entrada: $ 20

martes, 15 de julio de 2008

Salió hoy en La Nación! (y esta vez con la foto correcta)


Atmósfera sonora con acento inglés
El conjunto MISTER BANISTER ofreció un destacado concierto en el ciclo Pilar Golf

Concierto del conjunto Mister Banister, formado por Evar Cativiela (laúdes) y Ramiro Albino (flauta dulce y arpa) y los músicos y cantantes Silvina Sadoly (soprano), Pablo Travaglino (tenor), Víctor Torres (barítono), Pablo Angilletta (viola da gamba) e Igor Herzog (tiorba). Programa: obras de John Dowland (1563-1626), Henry Purcell (1659-1695), Thomas Simson (1582-1630) y Solomon Eccles (1645-1710). Ciclo de Conciertos Pilar Golf.

Nuestra opinión: muy bueno

Se constituyó en una presentación de alta jerarquía musical poco frecuente el cuarto concierto del ciclo organizado por Pilar Golf. Es que las enormes dificultades que encierra el abordaje de composiciones del período del mayor esplendor del estilo barroco, coincidente con la cumbre de Shakespeare y con el siglo de oro teatral de la lengua española, fueron resueltas con seguridad gracias a la calidad de los cantantes y músicos invitados, todos ellos experimentados en este campo del quehacer musical.

Si bien el programa estuvo dedicado a ofrecer obras de Dowland y Purcell, asimismo se ofrecieron algunos ejemplos de otros de los muchos creadores británicos como Simpson y Eccles, que se suman a la rica creación de Byrd, Gibbson, Morley, Weelkes, Wilbye y Bull, émulos talentosos de una época de la historia musical incomparable.

Con la primera entrega, una improvisación a cargo de Ramiro Albino y Evar Cativiela, se logró generar la atmósfera de necesaria placidez para apreciar la propuesta, acaso para muchos compleja de asimilar, frente a la tenue sonoridad de los instrumentos, que fueron creados para ambientes íntimos. Es que, precisamente, cabe recordar, la reina Isabel misma, que tocaba el virginal (instrumento de la época) y era una fervorosa aficionada a la música, vislumbró el concierto público.

Todos los cantantes e instrumentistas intervinieron en forma alternada o en grupo en una serie de composiciones muy bellas, tanto de Dowland, a partir de su creación, escrita en 1597, Now, o Now, I Needs Must Part , como de Purcell, de quien se escucharon páginas de su Orpheus Britannicus, los fragmentos de Tyrannick love, or The Royal Marty, con lucimiento de Torres, Travaglino y Sadoly, en solos entonados con delicadeza expresiva y musicalidad. Dentro de esta tónica y con un muy parejo rendimiento individual transcurrió el programa, valioso por las obras y atinado desde el punto de vista artístico, porque su duración fue justa, la que permitió aquella manifiesta atención de los asistentes con el consecuente y necesario silencio sólo alterado por el sostenido aplauso.

La última obra ofrecida fue una pieza para flauta y laúd de Solomon Eccles publicada en The division flute de 1707, su A Division To A Ground , obra que permitió el lucimiento de Evar Cativiela y Ramiro Albino, recibida con placer. Cuando se sumó el grupo para el saludo final, el entusiasmo generó que se repitiera Now, O Now, I Needs Must Part , de Dowland, la primera obra ofrecida del autor, tan valiosa, cautivante y colorida. Un lógico premio para tanto esfuerzo y amor por el arte.

Juan Carlos Montero

domingo, 13 de julio de 2008

Orfeos Británicos, MISTER BANISTER en Pilar Golf


Anoche hicimos con MISTER BANISTER (Evar Cativiela y yo) el concierto Orfeos Británicos, un programa de música inglesa que dificilmente repitamos. Para este concierto tuvimos un buen número de invitados, lo que nos permitió abordar un repertorio de mayores dimensiones que lo habitual. Si quieren ver más fotos vayan al blog de Banister: www.misterbanister.blogspot.com


martes, 8 de julio de 2008

hoy en La Razón


Hoy tomé el tren para volver a casa a eso de las 19 y subí al furgón. Había una nena de unos 8 ó 9 años sentada en el piso, ordenando ejemplares de La Razón para ofrecerlos a cambio de monedas. Sin pensar en el diario, sino en ella, la miré y de pronto me encontré con una foto de Mister Banister en el diario (!!!!). Entonces me acerqué, ella levantó la mirada y lo único que atiné a hacer fue a señalar la foto y decirle que el señor del diario era yo. ¡La chica no lo podía creer!, metí la mano al bolsillo, saqué unas monedas, le pedí un ejemplar, y tuve que bajarme, porque el tren llegaba a mi estación, todo ocurrió en pocos segundos. La chica quedó desconcertada, y de algún modo yo también. A ella le pareció buenísimo encontrarse con un supuesto "famoso" (salir en el diario ya implica, para mucha gente, un halo de prestigio increíble), y a mí también me resultó magnífico que mi foto, y el anuncio de mi próximo concierto estuviera en manos de tantísima gente.
Después, con más calma, miré la publicación en el andén. No decía mucha cosa, es más elocuente la foto que el texto, y más comunicativa esta historia que el epígrafe de la foto. Sin embargo, nadie podrá decirme que todo el conjunto no es grato.

lunes, 30 de junio de 2008

Nuevo video de MISTER BANISTER on line

Ayer subí un nuevo video de Mister Banister a You Tube. Lo grabamos momentos antes de un concierto, en febrero de este año, y había quedado por ahí, olvidado en mi computadora. Pueden verlo en You Tube, poniendo en el buscador "Mister Banister", o directamente visitando el blog del dúo:


Que lo disfruten!

miércoles, 25 de junio de 2008

master class música barroca

Recibí información sobre esta MASTER CLASS, el martes que viene en el Conservatorio Manuel de Falla. Creo que es una buenísima oportunidad para aprovechar e ir. Aclaro, por las dudas, que no tengo nada que ver en la organización de este evento.

Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires
Ministerio de Cultura
Subsecretaría de Gestión Cultural
Dirección General de Enseñanza Artística

MASTERCLASS
a cargo del
Mtro. Stefano Montanari (concertino)

y miembros de la
Accademia Bizantina(Italia)

La interpretación barroca
en instrumentos originales
(Siglos XVII - XVIII)

Martes 1º de julio, 17hs.

Salón de Usos Múltiples
Conservatorio Superior de Música “Manuel de Falla”
Sarmiento 3401, Subsuelo
entrada libre

Informes: dgeartdirec@buenosaires.gov.ar

martes, 24 de junio de 2008

Una obra, múltiples versiones

Una de las cosas que más me atraen de la música antigua es la posibilidad de hacer múltiples versiones de una misma pieza, el tácito permiso que nos dan los compositores del medioevo al barroco para poder recrear la obra desde nuestra versión, desde lo que realmente es una INTEPRETACIÓN.

Buscando músicas en la web encontré este video de "Un cavalier di Spagna", en el que alguien se tomó el trabajo de compaginar versiones y hacer así una nueva, sumándole además imágenes animadas de Don Quijote (con un aire ochentoso total, me recuerdan a mi infancia!). Un claro ejemplo de las posibilidades de un repertorio infinito.

domingo, 22 de junio de 2008

todo se transforma...

Ayer salieron dos pequeñas notas mías publicadas en Perfil. Una de ellas es sobre el estreno de "Acis y Galatea" de Handel y "La serva padrona" de Pergolesi, a cargo de Juventus Lyrica en el Avenida. La nota fue cortada por los editores, porque hubo cosas que no les parecieron interesantes. Posteo a continuación uno de los segmentos que transformaron en otra cosa, yo insisto en que está bueno leerlo así.

La transformación del medio musical, de los programas de concierto de los ciclos de abono, de la cabeza del público es algo que me apasiona y que me preocupa. Desde el diverso rol que he ocupado en los medios, y desde mi lugar de intérprete me siento feliz de haber contribuído activa y concretamente con el cambio.

Aquí va!

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Transformaciones de nuestro medio musical

Podemos decir, con total orgullo, que el panorama musical de Buenos Aires es vasto, variado y atractivo, y que la ciudad ofrece conciertos de todas las músicas, presentando a artistas locales e internacionales de alto nivel. Puede parecernos que el medio musical es estático, pero si tomamos un poco de distancia podremos mirar las transformaciones y nuevas caras que adquieren nuestras temporadas.

Hace quince años era imposible pensar en ciclos de ópera que no fueran la temporada del Colón. Y de pronto aparecieron “Juventus Lyrica” y “Buenos Aires Lírica”, que trajeron nuevos aires a la ópera, y nuevos sonidos, entre ellos el Barroco. Y los cambios se ven no sólo en los programas de mano, resúmenes o anticipos de temporadas, sino en los artistas.

Para Soledad de la Rosa, esta proliferación del repertorio barroco le permitió volver a sus inicios en Buenos Aires, cuando recién llegaba de Córdoba. Los estilos preclásicos le intersaban, y sabía cómo cantarlos, pero la “ópera daba más para vivir”, recuerda, “no hice más música antigua pero siempre me mantuve en el repertorio”.

Por su parte, Carlos Ullán espera que siga creciendo este panorama de ofertas, para poder llegar a vivir sólo del repertorio que más cómodo le queda. “Lo ideal para un cantante como yo sería cantar, por ahora, Rossini, Bach, Handel, Monteverdi y ni siquiera tocar a Mozart. Pero acá tenemos que ser todo terreno…”

Y los cambios no son tan rápidos como algunos esperan, pero siguen sucediendo. Casi sin darnos cuenta llegará el momento en el que nuestros artisas puedan especializarse en el estilo con el que más vibren, desarrollarlo al máximo, y hacerlo su única fuente de ingresos.

Ramiro Albino

sábado, 21 de junio de 2008

un recuerdo


Buscando cosas en internet encontré esta foto de la Capilla del Sol en las Semanas Musicales de Frutillar, Chile, el año pasado. QUÉ LUGAR!

miércoles, 18 de junio de 2008

Toco este viernes!

ciclo de conciertos vox animae
music for a while
variedades musicales en la Europa Antigua

Obras de Domenico Zipoli, John Dowland, Godfrey Finger, Jan Jakob van Eyck, Luys Milán, Alonso Mudarra, Hildegard von Bingen, Jean Baptiste Lully y autores anónimos

MISTER BANISTER
RAMIRO ALBINO, flautas dulces
EVAR CATIVIELA, vihuela

Auditorio San Rafael - Ramallo 2606, Buenos Aires
20 de junio a las 20 / Entrada $10

más info sobre Mister Banister en www.misterbanister.blogspot.com

miércoles, 11 de junio de 2008

los espero en mi próxima charla

El Espacio de Cultura y Ciencia FORVM me invitó a dar algunas charlas durante el año para recientemente inaugurado Ciclo de Encuentros Musicales. La primer charla es el jueves 19 de junio, posteo a continuación el afiche que hicieron para difundirla, donde está toda la información necesaria.


sábado, 7 de junio de 2008

Crìtica del concierto del miércoles, publicada hoy en La Nación







Un clima místico, en el Gran Rex
El conjunto que dirige Ramiro Albino ejecutó un refinado y exquisito programa


Ensamble Capilla del Sol. Programa: Danzas del Santísimo Corpus Christi, de Juan Bautista Comes (1558-1643), So bona suscepimus, de Philippe Verdelot (1500-1567), Mundo, ¿qué me puedes dar?, de autor anónimo, Tiento, y Pange Lingua, de Félix Antonio de Cabezón (1510-1566) y Pange Lingua, de Joseph de Urreda. Director musical: Ramiro Albino. Ciclo Concierto del Mediodía. Organizado por el Mozarteum Argentino, con el auspicio de ADNCultura, Yenny El Ateneo, Capsa y Petroken. Teatro Gran Rex. Nuestra opinión: excelente


La posibilidad de escuchar música de las épocas de los reyes Felipe II y III, compuesta por el talento creativo de Antonio de Cabezón y del mayor representante de la escuela valenciana Juan Bautista Comes, testigo de la evolución social en que acaso caprichosamente se subdividía la historia, en este caso del período entre Renacimiento y barroco, es motivo de placer auditivo por el delicado clima sonoro que se genera cuando los intérpretes son fervorosos especialistas en la materia.


Es así como el conjunto vocal e instrumental Capilla del Sol, también dedicado a la realidad musical en tiempos de la Iberoamérica colonial, desarrolló un refinado y exquisito programa, en el que se destacó como hilo conductor la colección de danzas deComes, que fueron compuestas para ser utilizadas durante el servicio litúrgico, cuando se cantaba y bailaba en las procesiones y celebraciones de la fiesta de Corpus Christi. Todas ellas, de carácter profundamente español.


El conjunto que dirige Ramiro Albino, que también se suma al grupo con el dominio de arcaicos instrumentos a soplo, está integrado por cantantes de intachable musicalidad como los cantantes Silvina Sadoly, Adriana Sansone y Flora Gril en los registros agudos, Pablo Travaglino y Pablo Piccini en las zonas medias y graves y los músicos Cristina García Banegas (órgano), Federico Ciancio (arpa), Evar Cativiela (vihuela), Eduardo Cáceres (guitarra), Habriel Schebor (tiorba y guitarra barroca), Pablo Angilletta e Irene Chaina (vihuelas de arco) y María Jesús Olóndriz (chelo). Y como no podía ser de otro modo, las versiones fueron de muy alta jerarquía artística.


Muy interesante fue el criterio de intercalar entre las partes de la obra de Comes, composiciones para órgano de Philippe Verdolot y de Antonio de Cabezón (este último, figura realmente, de un grande de España), ciego de nacimiento que estuvo al servicio de la Corte de Carlos V e Isabel de Portugal y que fue el creador de obras maravillosas para vihuela, arpa e instrumentos a tecla que se destacan por su nobleza melódica y por una polifonía admirable. Pero como ocurrió con las dos últimas obras ofrecidas de modo excelente por la organista Cristina García Banegas, esas páginas provocaron la sugestión de un sentimiento místico delicado, amable y optimista. A pesar que este repertorio puede resultar difícil para quienes no lo frecuentan y la sala del Gran Rex, por su magnitud, no sea la más adecuada para los sonidos tenues de la agrupación, Ramiro Albino y Capilla del Sol ofrecieron las obras en un reconfortante silencio y manifiesta concentración. Y cuando se diluyó el sonido del órgano, se oyó un inmediato y muy cálido aplauso. El próximo concierto del tradicional ciclo que el año próximo celebrará su 50° temporada se llevará a cabo el próximo miércoles, a las 13, con la presentación de la pianista ucraniana Vitaly Samoshko.


Juan Carlos Montero

sábado, 31 de mayo de 2008

Los espero el miércoles!

MOZARTEUM ARGENTINO / TEMPORADA 2008
CONCIERTOS DEL MEDIODIA - TEATRO GRAN REX

Capilla del Sol
Conjunto Residente del Museo de Arte Hispanoamericano Isaac Fernández Blanco

Juan Bautista Comes (1568 - 1643)
DANZAS DEL SANTISIMO CORPUS CHRISTI

Miércoles 4 de Junio a las 13.
Teatro Gran Rex, Av. Corrientes 857, Ciudad de Buenos Aires
Entrada libre

Capilla del Sol

SILVINA SADOLY, soprano
ADRIANA SANSONE, soprano
FLORA GRIL, soprano
PABLO TRAVAGLINO, alto
PABLO PICCINNI, barítono / flautas
RAMIRO ALBINO, flautas
CRISTINA GARCÍA BANEGAS, órgano
FEDERICO CIANCIO, arpa de un orden
EVAR CATIVIELA, vihuela
EDUARDO CÁCERES, guitarra renacentista / percusión
GABRIEL SCHEBOR, guitarra barroca
PABLO ANGILLETTA, vihuela de arco
IRENE CHAINA, vihuela de arco
MARÍA JESÚS OLÓNDRIZ, cello

Dirección Musical: Ramiro Albino
Coordinación Artística: Jorge Cometti & Leila Makarius

Este ciclo de conciertos está auspiciado por adnCULTURA La Nación, Capsa Capex, Yenny - El Ateneo, Petroken y Teatro Gran Rex.
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Juan Bautista Comes (1568 - 1643)
Danzas del Santísimo Corpus Christi.
Juan Bautista Comes fue, sin duda, el mayor exponente de la Escuela Valenciana durante el fin del renacimiento y los comienzos del barroco. Vocero de los ideales contrareformistas, fue otro músico entusiasta que pintó de fiesta las verdades más abstractas de la iglesia romana, mezclando elementos de la lírica popular con composiciones de carácter celebrativo al tiempo que noble. Su formación tuvo lugar en la Catedral valentina, a la que ingresó como infantillo de coro bajo la tutela de Juan Ginés Pérez. Más tarde, formado musicalmente y ordenado sacerdote, desempeñó el Magisterio de Capilla en la Catedral de Lérida. En 1605 es invitado por Juan de Ribera para ingresar al Real Colegio de Corpus Christi. Su virtud moral, y probada pericia musical hacen que vuelva a Valencia como Maestro de Capilla. Más tarde es invitado por Felipe III para ser Segundo Maestro de la Real Capilla. Sin embargo, por su nostalgia, decide volver a Valencia hasta su muerte. Se conserva doscientas dieciséis obras de Comes, repartidas entre la Catedral de Valencia, el Real Colegio de Corpus Christi, la Catedral de Segovia y el Real Monasterio del Escorial. Las Danzas de Corpus Christi son cabalmente comprendidas si antes entendemos que en España existía aún la Danza Sagrada, al servicio de la liturgia (hay, felizmente, cantidad de testimonios que avalan esta función, lamentablemente suspendida en el siglo XIX). La partitura de Comes nos presenta una serie de danzas que se cantaban y bailaban a lo largo de la procesión y celebración de la fiesta de Corpus Christi, posiblemente en el claustro del Real Colegio de Corpus Christi. Son obras de carácter netamente español: doble coro y acompañamiento de bajo continuo, sin violines.

viernes, 30 de mayo de 2008

¿Para quién canto yo entonces?

Ayer, jueves, fui a escuchar al coro Lagun Onak interpretando el oratorio Judas Macabeo, de Handel. Escribí una crítica para Perfil, pero me dijeron que hay poco espacio, por lo que tuve que cortarla. El concierto me hizo pensar mucho, les posteo uno de los fragmentos que no van a publicar. Ojalá lo lea algún músico!!!!!
Aquí va:
Conciertos como el del jueves nos plantean serios interrogantes sobre los músicos, sus intenciones y roles en la difusión (o no) de un repertorio.

La escena era más o menos así: el coro (que dominaba la escena desde lo visual y desde su sonido) transmitía un entusiasmo ingenuo pero al mismo tiempo emocionante, los solistas cumplían sus roles correctamente y con poca dosis de entrega, muchos miembros de la orquesta parecían pensar más en el frío que tendrían al volver a sus casas que en lo que estaban haciendo, y en medio de todo eso el director hacía un esfuerzo inmenso para lograr una sinergia que fue casi imposible. En todos falló la continuidad, excepto en Russo y algunos integrantes del coro, que fueron los únicos que estuvieron todo el tiempo totalmente concentrados en la obra, desde la dirección o siguiendo con atención la partitura.

Y el público recibe todo esto desde el sonido y desde las actitudes visibles. Un cellista masticaba chicle sin preocupaciones mientras su compañero solista se desgañitaba por cumplir su parte, las solistas vocales empinaban sus botellas de agua mineral para tomar del pico (eso sí: sus vestidos eran de gala), algunos miembros del coro aprovechaban las arias para buscar en la platea a sus amigos o familiares, los vientos ingresan en la mitad de un acto para tocar su parte (¿es tan agotador estar en el escenario desde el principio, aún cuando no hay que tocar?).

Se plantean entonces varias cosas. ¿Para qué o quién tocan o cantan los músicos?; ¿podemos decir que un músico es “profesional” sólo por cobrar un cachet?. Es posible que para muchos instrumentistas, tocar en una orquesta de ocasión sea sólo una changa que aumente sus ingresos mensuales, y que para algunos cantantes el escenario sea la única posibilidad de tener un momento de glamour en el entorno de una vida gris. Habría que preguntarse entonces cuánto hay de arte en todo esto.

domingo, 25 de mayo de 2008

ser músico en América Latina...

Esta semana viene a Buenos Aires el prestigioso Daniel Barenboim, con la Staatskapelle de Berlín, a ofrecer cuatro conciertos, que les recomiendo a todos ampliamente.

Miré el programa (que envío a continuación) le envié un mail a varios amigos, recomendándoles los cociertos y reflexionando acerca de lo que debe ser esa gira, haciendo semejantes programas, uno por día. También pensaba en lo que ha de ser la cabeza de Barenboim, que está listo para dirigir esas mega-obras, prácticamente una por día.

Aquí la lista de obras y fechas:

Jueves 29 de Mayo - 1º ciclo – Teatro Coliseo – 20.30hs:
Arnold Schoenberg - "Noche transfigurada"

Anton Bruckner - Sinfonía nº 7

Viernes 30 de Mayo - 2º ciclo – Teatro Coliseo – 20.30hs:
Anton Bruckner - Sinfonía nº 8

Domingo 1 de Junio - Homenaje al Teatro Colón en su Centenario – Luna Park – 19.00hs:
Con el patrocinio del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires
Richard Wagner - Obertura de “Los Maestros Cantores de Nuremberg” / Preludio y Muerte de Amor de “Tristan e Isolda”
Gustav Mahler - Sinfonía Nº5

Lunes 2 de Junio - Función Extraordinaria – Teatro Coliseo – 20.30hs:
Arnold Schoenberg - Variaciones Op. 31

Anton Bruckner - Sinfonía nº 9

Mi amiga Gabriela Guembe, con su pragmatismo y permanente calidad de ideas, me respondió lo siguiente, que lo comparto con todos. También es para pensarlo.

Aquí va:

... que impresionante...!!!
pero también es verdad que seguro ponen esto... y andan seis meses de gira tocando lo mismo por todos lados...
no tienen, como nosotros, que ir a pagar un impuesto,

estudiar un ratito una sonatita,
luego ir a la orquesta y salir con malasangre,
tomar transportes urbanos que no funcionan,
pelear con los padres de tus alumnos,
volver a tu casa y seguir con la sonatita,
agarrar un laburito a ver si con eso lográs ganar una peseta que te permita cambiar la cuerda que se te está por cortar...,
en fin, no sigo, porque nuestra realidad latinoamericana es TAN pero TAN distinta. y si esta fabulación de que "y si nosotros ganáramos lo que ellos, y si hubiésemos aprendido con buenos maestros desde niños, y si, y si, y si..." fuese cierta... podríamos alguna vez soñar con salir de gira con cuatro mega-sinfonías? o no?

Me quedé pensando algunas cosas:
  • estará bueno participar de una gira que dure MESES?
  • el nivel de competencia que ha de haber en esos ámbitos debe ser tremendo!
  • estará bueno tocar en una orquesta así de buenísima (y de exigente!), o será como una hermosa jaula de oro?
Algo tengo claro: elegí ser músico y vivir las maravillas de esta profesión, habiendo nacido acá, con nuestra cultura (que incluye TODOS los problemas que ya sabemos).

Seguimos participando! (lo que no es poca cosa)

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